- Vaciando ideas -

No quiero recordar que hay cosas que debo olvidar. Quiero seguir en esta irreal realidad. Se cree lo peor, pero con cada paso que marca en la tierra deja una huella. Importante huella. ¿Cómo dejar lo que me hace desastrosamente bien? ¿Cómo abandonar lo que me hace increíblemente mal? No encuentro el punto medio, o no lo veo. O me niego rotundamente a verlo. La vida se escurre detrás mío sin pedirme permiso. Y tengo tanto miedo de mirar hacia allá... Pero cuando me asomo y observo por arriba del hombro, descubro que en esa escurrida se está creando algo inigualable. Mi vida. Distinta a la tuya, que estás leyendo. Distinta a la del vecino, a la de un amigo. Está creando un arte, mi arte. Porque cada vida, es arte.

De la Vida y del Arte

¿Cuánto se está dispuesto a arriesgar cuando el agua del estanque no supera el límite de los tobillos? Cuando lo sentimientos se restringen y se van como por arte de magia. Hay evaporación. Alejamiento de cosas que sería prudente se quedaran. ¡No se vayan! ¿Acaso no me ven aquí desesperada? ¿Ahogándome con mis propias lágrimas, sufriendo mis propios sentimientos, yendo más allá? Un más allá que supera los límites de la realidad, el límite de todo.
Me pregunto si uno puede soportar en su cabeza el peso de las ideas, cómo una hormiga duplica miles de veces su peso y lo carga a sus espaldas. ¿Se puede?
La vida es arte. Es arte vivirla, transitarla, experimentarla, considerarla. Es arte… y no sé si más que eso.

. Manierismo .

"Polifemo y Galatea", Anibal Carraci.

Término que ha tenido cierto sentido peyorativo y que surge de la definición que críticos del siglo XVII dan de los pintores que buscan la perfección a la "maniera" de los grandes maestros del Renacimiento.
Dándo al término una acepción histórica, manierismo es el período artístico que va desde 1515 hasta 1610 en toda Europa. Se representan temas religiosos con lirismo y fervor, temas mitológicos, que permiten expresar mejor ciertos sentimientos propios de la época, y temas alegóricos que ejemplifican los hechos históricos. El arte manierista es cortesano, intelectual y teatral.
Se caracteriza, en su estado más puro, por composiciones en las que se rompe el equilibrio, líneas diagonales quebradas, espacios inestables, estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro y que contrastan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos. Gusta la línea enroscada, los colores de tintas discordantes y efectos extraños de luz. Los paisajes son irreales.

"Ares y Afrodita", Tintoretto.

Es un gran estilo artístico que representa lo mitológico casi a la perfección. Igualmente en ésto me gustaría la opinión de Duncan de Gross, quién es para mí, especialista en el relato de historias con mezclas mitológicas.

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. Artista argentino .

"Retrato de Rosario", año 1934.

RAMON GOMEZ CORNET

Nació el 1 de Marzo de 1898. Fue una figura representativa del acervo plástico nacional. Su nombre cubre una etapa del arte argentino que obtuvo el reconocimiento unánime de la crítica nacional.
Su vocación artística se despertó en la adolescencia y fue enviado a Córdoba donde comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes. Sus muestras lo destacaron a la consideración de la crítica más exigente quizás porque su arte reflejaba en los rostros telúricos el drama de los hombres y niños de su tierra. En Tucumán designado por su Universidad Nacional para dictar la cátedra de Dibujo; regresó a la Universidad de Cuyo desde donde retornó a Buenos Aires. Proyectó y logró la creación de la Academia de Bellas Artes de Santiago del Estero. El 9 de abril de 1964 falleció en Buenos Aires. Su nombre figura entre los plásticos más importantes del arte argentino.

El "Retrato de Rosario" es una de las obras de arte argentino que más me gustan. Cuando aquel día entré al centro de exposiciones en el que se encontraba, quede realmente impactada. En principio, por el rostro de esa niña que, a la vez que parece misterioso y triste, tiene un dejo de incertidumbre. Y también por la paleta que el artista eligió para realizarla. Si bien la calidad de la imagen no es muy buena, se trata de colores bien definidos en la niña y su silla y un fondo de pincelada abierta y colores claros, que le dan a ella todo el protagonismo mientras éste se releva a un segundo plano.

Fue un artista que supo expresar con un pincel la relaidad argentina de esos tiempos.

Es un poco de información en aproximación a lo que es el arte de mi país y mostrar a este artista que por su calidad me enorgullece.

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Sobre una de mis obras

Deambula por la pintura. No se conoce su destino, ni dirección.
Carece de forma, carece de proporción.
Camina enfundada en un manto de soledad.
Envuelta en una inmensidad ultramar.

De repente, gira su cabeza para mirarme y, desesperada, me pregunta quién es, hacia dónde se dirige, cuál es su destino. Impactada y titubeante le dije que no tenía respuesta para ninguna de sus preguntas, que no lo sabía. Que tuvieron que pasar dos meses desde su aparición sobre el papel, para darme cuenta de su pobreza.
Enojada, volvió su vista a donde antes se encontraba, observando su camino. Ese que ni ella ni yo conocemos, que es incierto.

Así como la hice salir en ese entonces de su guarida para escapar del soporte, la obligué a entrar.
Y es el día de hoy que allí continúa... encerrada en una carpeta de cartón.

Lamentablemente no cuento con la imagen de la obra a la que hago referencia con estas palabras. Pero quería transmitir como la siento, al verla después de tanto tiempo.

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::. Fauvismo .::

El Fauvismo o Fovismo es un término español para denominar el estilo pictórico de características expresionistas tales como el uso de colores intensos, principalmente el verde. Destaca sobre todo por ese cromatismo antinatural. Buscan la fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color verde esmeralda.
En 1904, Henri Matisse (padre del fovismo), pintó Lujo, calma y voluptuosidad, considerada como la obra síntesis del postimpresionismo, manipulado en un ejercicio personal, y virtualmente un manifiesto de lo que sería el fovismo poco después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo sorprendieron a todos cuando fue expuesto en el Salón de los Independientes del Salón de otoño de 1905. Andre Derain se sintió inmediatamente influido y comenzó a pintar utilizando nada más que la línea y el color. Su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de otoño de 1906.

Allí también se expuso el Retrato de la Sra. Matisse de Matisse, que fue interpretado como una caricatura de la feminidad y como una excentricidad. La repulsa de la crítica convirtió a los fovistas en el grupo más avanzado de París.
Como movimiento expresionista, apareció cronológicamente a la vez que el expresionismo alemán, con una base de protesta opuesto al positivismo, al naturalismo y al impresionismo. Sus principales influencias vienen de Paul Gauguin y de las ideas de Zola, Nietzsche, Stirner y Huysmans.
Aunque concebían la actividad artística como un impulso vital, el punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos, como el uso del color en una función plástica y constructiva al mismo tiempo. El maestro del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Matisse y Rouault, Marquet, Manguin, Camoin y Puy. Moureau no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo (los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión y no composición y orden.

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.. El PuentE ..

"Hubo un momento en nuestra vida en que estábamos tan unidos que nada parecía obstaculizar nuestra amistad y nuestra fraternidad, y sólo un pequeño puente de peatones nos separaba. Cuando estabas a punto de cruzarlo, te pregunté: '¿Quieres cruzar el puente para llegar a mi?'. Pero ya no quisiste hacerlo; y cuando te lo volví a preguntar, te quedaste callado. Desde entonces se han interpuesto entre nosotros montañas, ríos torrenciales, todo lo que separa y despoja, y aunque quisiéramos reunirnos, no podríamos. Pero cuando ahora piensas en aquel pequeño puente, las palabras te faltan y sollozas y te asombras."
Fragmento de "El puente", Friedich Nietzsche.

[Muchas veces no nos damos cuenta que el no animarnos a pasar el puente puede convertir esa distancia en un abismo. No debería ser verguenza dar a conocer los sentimientos que tenemos, hablarlos, transmitirlos, dejarlos que fluyan. Como así tampoco, debería ser verguenza "pedir ayuda" y dejarse ayudar. Sobretodo cuando tenemos la certeza que, al otro lado del puente, hay un ser que espera impaciente.]